BURNING DAYS D'EMIN ALPER, TURQUIE, 2022.

Burning days d’Emin Alper, Turquie.

Vu en avant-première le mardi 25 avril 2023 au Forum des images.

L’affiche de ce film était partout dans le métro parisien.

Dans mes souvenirs, il était écrit que c’était un « thriller à couper le souffle ».

Le film nous est présenté en introduction comme ayant gagné 9 prix au Festival d’Antalya et ayant fait 250.000 entrées en Turquie. Il a eu également des problèmes avec l’Etat turc qui lui a demandé de rembourser ses subventions car considéré comme un film LGBT.

Qu’en est-il ? De façon très déceptive après avoir vu l’affiche qui mettait en avant un paysage naturel grandiose, toute l’histoire se déroule dans très peu de lieux fermés et en fait quasiment un huis-clos étouffant : le bureau du procureur (le personnage principal), le lac, trois maisons, et le village, très rapidement, lorsqu’on y roule.

Seul le lac est une ouverture vers l’extérieur, avec des paysages naturels panoramiques qui symbolisent très bien les seuls moments de respiration mentale du personnage principal.

Nous suivons la lente mais sûre descente aux enfers d’un jeune procureur citadin fraîchement diplômé dont la première affectation est Konya, une ville rurale de la province du même nom au sud d’Ankara, en Anatolie, dont le réalisateur est issu lui-même.

La première scène est marquante : les habitants poursuivent un sanglier en voiture et tirent avec des armes à feu, en hurlant, en riant. Toute la scène est bruyante, le motif de joie, vulgaire. La chasse au sanglier est le divertissement numéro 1 de la ville. Tout le monde y participe dans la joie et l’allégresse. Sans qu’il parle, à travers la caméra du réalisateur, on ressent le profond dégoût du procureur pour ces gens dénués d’éducation qui ont pour source principaled’amusement, la cruauté envers les animaux. Cette scène n’est pas sans rappeler celle du cochon dans Voyage au bout de la Nuit. Je ressens exactement la même chose envers les gens qui aiment les férias et les corridas. L’argument fallacieux de la tradition ( « C’est la tradition ») est démonté dans « Zadig », un conte philosophique écrit par Voltaire au 18ème siècle. Il faut le (re)lire.

Cette longue scène introductive donne le la, donne le ton de tout le reste du film : celui d’un décalage.

En effet, ce jeune procureur qui veut simplement faire son travail (c’est cela l’idéalisme de la jeunesse : penser qu’on va pouvoir faire son travail simplement et justement) va être confronté à des gros beaufs de façon de plus en plus oppressante qui vont le manger tout cru : ils sont partout, se reproduisent et détiennent le pouvoir (cf. Rhinocéros de Ionesco). Le maire et le fils du maire veulent le corrompre à coup de cadeaux, d’invitations et d’incitation à la débauche. Le seul individu local pourvu d’un esprit critique, un jeune journaliste, est exclu par la population car c’est un lanceur d’alerte gênant qui compromet le don d’eau aux habitants en pleine sècheresse.

En effet, l’enjeu socio-économique et social de la ville est l’eau face à la sècheresse dramatique de la région. Afin de se faire réélire, le maire propose de continuer à surexploiter les nappes phréatiques pour plaire aux agriculteurs et à toute la population qui en ont tous besoin. Le problème est que cette surexploitation des eaux souterraines provoque l’érosion des terres et leur effondrement puis des « dolines » : des gouffres béants très dangereux pour la population. Le journaliste publie les rapports des géologues qui font état du niveau de dangerosité des dolines mais il est accusé d’être un perdant de mauvaise foi qui veut venger son père adoptif (décédé après avoir perdu les élections municipales précédentes). 

L’enjeu de l’eau et la mise au banc de la société d’un lanceur d’alerte au détriment de la nature et des générations à venir sont l’objet d’une pièce que je n’ai toujours pas lue ni vue intitulée Un Ennemi du Peuple d’Henrik Ibsen, écrite en 1882. C’est aussi la même intrigue dans Chinatown de Polanski avec Nicholson et Dunaway, à la différence que celafinit par une révélation d’inceste…

Dans « Burning days », la touche personnelle scénaristique est une histoire de viol sur une jeune enfant du voyagedéficiente intellectuellement. Une scène, pourtant filmée subtilement, est très violente visuellement malgré tout et n’a pas été sans me rappeler une scène de Poetry de Lee Chang Dong où le contraste entre la vulgarité des gens filmés et la distance consciente et jugeante de la caméra, est grand. 

Qu’en est-il des scènes LGBT ?

Alors oui, il y a bel et bien un sous-entendu gay entre le procureur et le journaliste mais on ne sait plus si c’est un fait du scénario ou si c’est ce qu’a imaginé le peuple (les gens les harcèlent sur la question par téléphone et dans la rue) qui fait que le procureur commence à douter de ce qu’il a vécu lui-même étant donné qu’on l’a fait boire énormément le soir du viol et qu’il ne se souvient plus de rien ou par bribes. Plus précisément, il semblerait que ce soit le journaliste qui est vraiment gay et non le procureur. En tout cas, c’est sans doute le film le plus anti-alcool que j’aie jamais vu de ma vie tant les conséquences du black out du héros sont grandes sur sa vie (si vous avez d’autres exemples, je suis preneuse). 

Quoiqu’il en soit, il est absurde qu’un gay viole une petite fille…Mais c’est pourtant ce qu’imagine le peuple, totalement dénué de bon sens, violent et sans cerveau, violent parce que décérébré.

La fin du film fait écho au début du film sous une forme différente et ça, d’un point de vue purement esthétique, c’est vraiment magnifique. En effet, le sanglier pourchassé par les habitants au début du film EST le procureur ou les habitants sont devenus des sangliers sauvages qui poursuivent les deux seuls êtres humains qui restent sur terre : le procureur et le journaliste.

Verdict : je n’ai pas aimé ce film, pourtant pourvu objectivement de mille qualités artistiques. Je ne l’ai pas aimé parce qu’il m’a oppressée et désespérée au plus haut point. Ce n’est pas le genre de thriller que j’imaginais, à l’américaine. Mais force est de constater que je suis bel et bien restée scotchée à mon siège, en apnée mentale, pendant deux heures. Bravo au courageux réalisateur turc qui n’a pas pu se rendre à cette projection (il devait venir) pour une très belle raison : il venait de devenir papa depuis une semaine.

Ma plus grande déception ? J’en ai parlé en cours. J’ai bien prévenu mes deux élèves français d’origine turque que ce n’était pas un film pour adolescents de 14 ans, que c’était trop déprimant et que ça leur paraîtrait de toute façon trop ennuyeux. Une des deux y est allée malgré tout avec ses parents et ses cousins. Personne n’a aimé, ce que je conçois parfaitement (moi non plus). Mais l’ont-ils compris ? Rien n’est moins sûr. Mes élèves turcs semblent apprécierErdoğan (ils ne comprennent pas le rapport entre le programme de 3ème qui tourne autour des régimes totalitaires, dupopulisme et lui...), influencés naturellement par leurs parents. 

POUR EN SAVOIR PLUS :

Sur les dolines :

https://www.cameo-nancy.fr/index.php?option=com_content&view=article&id=9070&catid=38&Itemid=120

Sur le réalisateur : 

https://www.courrierinternational.com/article/en-salle-burning-days-le-film-qui-sonde-les-gouffres-de-la-turquie-d-erdogan

THE QUET GIRL, COLM BALREAD, 2022, IRLANDE.

 The Quiet Girl de Colm Balréad, 2022, Irlande.

Vu le mardi 21 mars 2023 en avant-première (invitation forum des images via la revue Positif), en présence du réalisateur qui a répondu à la question de savoir si son prochain film serait en gaélique : « La langue la plus importante pour moi est celle du cinéma ». <3. Film sorti en 2022 nominé aux Oscars.

Résumé : une petite fille prénommée Cáit vient d’une famille où elle n’a pas sa place et va la trouver auprès d’une autre famille, chez sa tante et son oncle.

WARNING : SPOILER.

Le film commence par une scène où l’on voit la mère excédée par l’énième pipi au lit (énurésie) de la jeune héroïne Cáit, ses deux sœurs énervées parce que la mère ne peut pas s’occuper d’elles de nouveau à cause de cela. La mère, enceinte jusqu’au cou, s’occupe toujours d’un enfant en cours. La petite fille n’est donc qu’un bouc-émissaire : celui de la pauvreté et du manque d’éducation de sa famille.

C’est l’enfer à la maison : il y a toujours un gamin qui braille, du bruit, de l’agitation. La petite fille n’est aimée ni par ses parents, ni par ses sœurs, ni par ses camarades de classe à l’école. Tout le monde parle mal d’elle, bref, c’est Caliméro. Cela aurait pu agacer profondément (et ça agace un peu) si le réalisateur n’avait pas fait comprendre tout cela subtilement, à partir du point de vue de la petite fille. Les propos méchants sont donc entendus de loin quand elle a le dos tourné et par fragments, par bribes. Le bruit est là mais diffus car la caméra suit le regard d’un personnage qui ne sait pas où se poser, où se mettre, où se fixer : l’esprit du spectateur est donc focalisé sur cette quête et non sur le reste.

Le père prend même sa maîtresse en stop alors qu’elle est dans la voiture : comme Cáit ne parle pas, elle devient invisible, elle ne compte pas. Une fois rentrés à la maison, le père incite sa femme à accepter l’invitation de sa sœur en envoyant leur fille chez elle pendant tout l’été. Il met en avant le fait qu’elle soit une bouche de trop à nourrir. La mère accepte sans résistance. Le père précise que cela ne le dérangerait pas de la laisser là-bas pour toujours et la petite entend cela.

Au bout d’un long voyage en voiture, le père et la fille arrivent donc chez la tante et l’oncle et sont invités à déjeuner. On sent la tension de part et d’autre, surtout entre les deux hommes : l’un juge l’autre d’être un loser et l’autre l’envie parce qu’il réussit. La femme est concentrée sur la petite. Le père veut repartir le plus vite possible mais la femme le fait poireauter pour lui donner des tiges de rhubarbe. Ce moment est interminable. On le vit du côté du père et le généreux don de rhubarbe comme une humiliation supplémentaire. Le tas de tiges sera jeté négligemment dans la voiture avant un départ en trombe. 

Chaque jour, la petite fille se rapproche de la femme qui l’apprivoise comme un petit animal blessé mais son mari la fuit comme la peste. Jusqu’au jour où la femme doit partir seule en ville et laisse la petite avec lui. Ce jour-là ne se passe pas vraiment bien mais petit à petit, les deux vont tisser des liens et avoir leurs propres rituels. Cáit a enfin trouvé sa place. Jusqu’au jour où après les funérailles d’une personne âgée, elle apprend par une commère du village que le couple a perdu un fils. La petite perd confiance mais le père trouve les mots justes pour la rassurer et elle va beaucoup mieux.

Malheureusement, l’été touche à sa fin et la mère de Cáit envoie une lettre à sa sœur pour lui rappeler que la rentrée approche et qu’il faut la ramener. Le couple ramène donc le coeur serré la petite chez elle. On retrouve le chaos familial bruyant du début avec cette fois-ci le nouveau-né (qui provoque l’indifférence du couple et des spectateurs). Le père regarde à peine la petite au moment des adieux tellement il a mal : on le voit, on le sent, on a mal aussi. La voiture s’en va. La petite se retrouve seule, avec « sa famille ». Son père dit ou fait quelque chose, enfin je crois : peut-être qu’il n’a rien fait après tout. Dans tous les cas, la petite s’élance de toutes ses forces vers le portail situé à un peu moins d’un kilomètre que son oncle s’apprête à fermer derrière lui. Il se retourne et la voit, elle lui saute dans les bras et hurle : « Daddy ! Daddy! ». J’étais en pleurs avec la peur panique que la lumière se rallume trop vite, mes voisins aussi.

Verdict : Je n’avais pas pleuré à la fin d’un film depuis longtemps. Les films devant lesquels je me souviens avoir pleuré sont Timbuktu, The Eternal Sunshine of the Spotless Mind et Le Cercle des Poètes disparus. Mais pleurer spécifiquement à la fin ? Je ne sais plus, j’aurais aimé avoir ma liste personnelle.

Cinématographiquement, la narration en focalisation interne à partir de la petite fille (« quiet ») est l’originalité de ce film qui montre beaucoup de choses poignantes sans paroles et a gagné de nombreux prix pour cela. 

Le film est inspiré de la nouvelle « Foster » de Claire Keegan, 2010. Le réalisateur a mis des mois et des mois avant de trouver la bonne comédienne qui n’avait jamais joué dans un film. Elle est exceptionnelle et s’appelle Catherine Clinch. Le film a été tourné en 2020 lorsqu’elle avait 11 ans. 

La question que je me suis posée : « Montrer ce film à des enfants qui n’ont pas eu la chance de naître et grandir dans une famille aimante, est-ce leur faire du bien ou du mal ? ». Je crois que ça leur ferait du mal mais en même temps, ce film donne clairement de l’espoir à tous les enfants mal aimés de la terre.

DAMAGES, Todd A. Kessler, Glenn Kessler, Daniel Zelman, 2007-2012, ÉTATS-UNIS.

À binger sans modération !!!

À ceux qui résistent encore à l'emprise de Netflix dans leur vie : je viens de binger (vacances d'hiver 2021) une vieille série qui date de 2007 (me suis fait les 5 saisons en trois jours) et depuis, je pense être la plus grande fan de Glenn Close sur terre actuellement, lol. 

Elle est dispo gratuitement en replay sur TF1 actuellement (Netflix revend tout un jour ou l'autre).

D’habitude, les scénaristes sont pour moi les véritables génies des séries et des films. Mais pour celle-ci, c'est les deux : les scénaristes ET l'actrice Glenn Close. Je n’ai jamais vu une telle performance, une telle perfection dans l’incarnation d’un personnage fictif.

Côté scénario, le bien est intriqué dans le mal, le mal dans le bien tout en maintenant une parfaite clarté dans leur distinction, une exigence dans leurs nuances et une grande rigueur dans la cohérence générale.

Et ce, malgré les soucis de financement que la série a rencontrés et le fait que les scénaristes écrivent au fur et à mesure !

Chaque saison commence avec des fragments de la fin. Tout est fait pour que ces fragments conduisent volontairement le spectateur à induire de mauvaises conclusions. Réussir ce tour de force à 5 reprises, je trouve ça objectivement impressionnant.

Les acteurs n'étaient d’ailleurs pas prévenus eux-mêmes de l’évolution de leur personnage à l'avance et ont été mis émotionnellement quasiment à la même place que les spectateurs (à une semaine près). Ils avaient donc leur texte à apprendre au dernier moment. 14 heures par jour X 6 mois pour une saison.

Depuis, désespérée d'avoir fini une série aussi intense, j'ai regardé l'intégralité de saison 1 de la série française "Le Code" (point commun : judiciaire, cabinet d'avocats).

C'est l'anti-Damages : la série se veut complexe en nous montrant systématiquement deux points de vue sur chaque affaire, avec d'un côté le point de vue "zemmourien" et de l'autre, le point de vue "Islamo-gauchiste" qui domine au final l'esprit de la série (d'ailleurs, tous les méchants sont blancs et les personnes à haute responsabilité de couleur).

C’est comme si vous pétiez très fort, que ça puait dans toute la pièce et que vous demandiez pardon ensuite en vous frappant vous-même. Déplorable.

Le procédé est exactement le même dans la série judiciaire "Munch", l'apogée de son application se trouvant dans "Le Commissaire Magellan ». 

Le procédé est tellement grossier avec cette conception idéologique et partisane du bien et du mal que le résultat donne à peu près tout le contraire de ce qui était prétendument voulu : une série manichéenne dénuée de complexité.

Il est évident que les scénaristes français s'efforcent de copier les scénaristes américains qui utilisent ce procédé de parallélisme idéologique depuis beaucoup plus longtemps entre un point de vue démocrate et un point de vue républicain mais sans caricature ridicule, ni de l’un, ni de l’autre. 

Le point de vue démocrate ne méprise pas de façon angélique le point de vue républicain et le point de vue républicain dans les séries américaines n’est ni trumpiste ni zemmourien. Il est plutôt hobbesien versus rousseauiste. 

Les deux points de vue s’affrontent souvent mais ce sont surtout des actions qui vont les illustrer et c’est au spectateur d’en tirer ses propres conclusions (cf. Lost ou The Walking Dead : les scénaristes le font très souvent). 

En résumé, les Américains parient sur l’intelligence des spectateurs. Les producteurs français, non (en-dehors du génial Bureau des Légendes), ils se contentent d'assurer des parts d’audience avec les spectateurs moyens.

Je me doute bien que ça repose beaucoup de gens de ne pas vouloir affronter la violence de la complexité. Mais faudra pas jouer les grands étonnés aux futures élections…

Cette série, par la médiocrité de ses ambitions et ce, malgré la qualité apparente de sa production, est incapable de "divertir", autrement dit de détourner du réel et ne pouvait que me faire tomber en dépression, en d’autres termes me ramener à la réalité et à la dure prise de conscience que j’ai une centaine de copies à corriger avant la rentrée. Sigh. 

Cela dit, une collègue de Lettres m’ayant rappelé mon amour pour The Wire, une de mes séries d'anthologie pour la vie, je concède sans problème que "Damages" n’en fera pas partie pour la raison suivante très simple : c’est surtout du talent époustouflant d'une actrice, de Glenn Close dont il est question. Le reste est en effet, du grand divertissement, ne serait-ce que parce qu’il ne s’agit pas de l’univers réaliste de monsieur ou madame tout le monde.

The Wire en revanche, c’est la vraie vie avec un pauvre fonctionnaire de police comme anti-héros : il a des convictions fortes et une vocation pour son métier mais aucun pouvoir, ce qui le rend fou, l’identification est facile. Le scénario a été écrit pour tous les idéalistes énervés de la Terre dont je fais partie. Je ne me souviens pourtant jamais du nom de l’acteur qui m’a fait pleurer comme une madeleine, quand bien même il l’incarnait parfaitement. Son personnage - Joe ?- était sans doute plus fort que son enveloppe corporelle (image floue dans ma mémoire alors que que je l’avais trouvé très mignon).

Cependant, le point commun entre The Wire et Damages c’est que ce sont des séries qui reposent sur une conception du bien et du mal qui se veut la plus universelle possible. 

La politique de bas étage n’y est pas amalgamée : le héros de The Wire comprend que les politiciens de Baltimore, peu importe leur bord, ne sont pas sincères (c’est ce que finit par comprendre n’importe quel fonctionnaire dans le monde), quant à Patty Hewes, elle est connue dans son milieu fictif pour ne pas aimer les politiciens et finit par accepter un poste politique, uniquement pour se protéger et non par conviction, ni même pour le pouvoir dont elle se nourrissait.

Conclusion : I LOVE GLENN CLOSE <3 Watch or rewatch Damages ! I don't understand why she still doesn't have an oscar. Hope she will get one at least for her whole career before she dies or loses her mind. What a woman !

The most talented actress in the world without any single Oscar : Glenn Close ! 
Shame on you, Hollywood !

MYSTÈRE TOTAL POUR MOI (est-ce une histoire d'aire géographique ?) : Je n'ai pas réussi à trouver beaucoup d'interviews des acteurs de la série. Seulement la vidéo ci-dessous (la fin où une actrice rend hommage à Glenn Close comme il se doit -j'ai exactement pensé LA MÊME CHOSE- me fait vraiment plaisir même si je ne comprends PAS pourquoi les autres restent impassibles, bande de bâtards, j'en arrive à me demander si Glenn Close ne leur a pas fait quelque chose personnellement pour mériter ça). J'ai ri quand l'animatrice la présente et dit "I'm very honored and little frightened to welcome Glenn Close" (moi aussi, elle me fait trop peur, lol).

 

Ce lien de replay qui donne accès aux 5 saisons a hélas une date d'expiration, évidemment : https://www.tf1.fr/tf1/damages

Memories of a Murder, Bong Joon Ho, 2003 (Corée du Sud).

Du folklore traditionnel burlesque au drame dépouillé.

Genre : policier

Visionné le : mercredi 20 février 2013.
Résumé : un meurtre précédé d'un viol a été commis dans une petite ville rurale et ouvrière de Corée du Sud.

Le policier chargé de l'enquête incarne toute la police folklorique locale : il fonctionne essentiellement à l'intuition quand ce n'est pas aux superstitions et n'a pas l'air très intelligent en plus d'être spécialement grossier et prétentieux. On apprend plus tard que sa formation a été de deux ans à l'école de police. Son partenaire est chargé de torturer les suspects pour obtenir des aveux, notamment en les rouant de coups avec une de ses chaussures militaires. Il n'a pas eu de formation du tout.

Tout à coup, un jeune policier débarque de Séoul en tant que volontaire. Il est perspicace, intelligent, en plus d'être beau, humble et discret. Il a tout de suite repéré deux constantes : le criminel opère quand il pleut et la femme est vêtue de rouge. Il a suivi une formation de quatre ans. C'est un jeune policier réellement formé à son métier, même s'il ne sait pas se battre.

Les deux méthodes s'affrontent de façon loufoque (style le manga japonais "le collège fou, fou, fou" pour les trentenaires de la génération Club Dorothée), une rivalité arbitrée par un commissaire de police pas très sérieux non plus...

WARNING : NE PAS LIRE LA SUITE SI VOUS NE VOULEZ PAS EN SAVOIR PLUS !

Toutefois, grâce à l'aide de la secrétaire, une constante plus sérieuse que la couleur rouge apparaît : le criminel agit après avoir écouté la chanson "Sad Letter" qu'il a demandé à une station de diffuser uniquement lorsqu'il pleut.

Par ailleurs, l'avant-dernier crime est particulièrement horrible : le tueur en série a inséré neuf morceaux de pêche dans le vagin dans la victime... On passe donc du film policier comique et léger au film policier dramatique. Le policier folklorique ne rit plus et son partenaire va se faire amputer d'une jambe à cause d'un clou dont il ne s'est pas soucié et par lequel il a été atteint du tétanos.

Grâce à une ancienne victime et à la station de radio, on parvient à identifier celui qui a de fortes chances d'être le criminel. Hélas, il n'y a pas de preuve contre lui. Toutefois du sperme a été retrouvé dans le corps de la dernière victime et ils sont obligés d'attendre les résultats d'un laboratoire aux États-Unis car la Corée du Sud n'a pas encore la technologie capable d'établir de telles analyses (d'après le film en 2003, ce qui semble assez incroyable vu la richesse et la modernité extérieures de ce pays).

Le dernier crime est "le plus" horrible dans la mesure où il s'agit d'une jeune fille du village que l'on voit à plusieurs reprises depuis le début du film : elle n'a que treize ans et en plus, le pansement que lui avait mis le jeune policier alors qu'elle s'était blessée lors d'un entraînement de sécurité a été retrouvé dans son vagin.

Hélas, les résultats ne confirment pas la culpabilité du suspect. Le jeune policier en perd la raison et voudrait faire justice soi-même alors même qu'il jugeait ces méthodes barbares au début de l'enquête. Comble de l'ironie, c'est le policier folklorique qui l'empêche de faire l'erreur de sa carrière. A travers le jeune homme, c'est tout le combat du raison contre le coeur ; de la science contre la conviction intime. Ce n'est pas sans rappeler le film "Zodiac" de David Fincher, lui aussi basé sur des faits réels : alors que tout porte à croire qu'un individu est LE criminel, aucune preuve matérielle ne peut être retenue contre lui ; pire, des analyses contredisent sa culpabilité. C'est exactement la même chose dans ce film.

La fin est bien trouvée : le policier folklo s'est reconverti en homme d'affaires et retourne sur les lieux du crime en regardant sous la pierre des égouts où a été retrouvée la première victime. Une petite fille lui dit qu'elle a vu un homme faire la même chose et qu'elle saurait capable de le reconnaître.

Commentaire : au-delà du style du réalisateur qui est reconnu et a gagné plusieurs récompenses pour ce film, on reconnaît une atmosphère qu'on a aimé dans "Poetry" un film coréen d'un tout autre genre : on retrouve ce passage virtuose de la grossièreté vulgaire externe à la sensibilité délicate interne. Le côté vulgaire ne donne pas du tout envie de mieux connaître la Corée du Sud (énième pays asiatique de nouveaux riches bling bling sans culture ou bourrage de crâne des enfants ne rime pas avec esprit critique) quand l'aspect délicat et sensible, transmis au spectateur de façon effective et efficace, donne envie de découvrir ce pays connu pour être coincé entre le Japon et la Chine, tout en ayant une culture distincte mais méconnue. La Corée du Sud reste un mystère entre le clip planétaire Gangnam style qui critique tout en cautionnant la société superficielle de consommation ; le sublime film Poetry qui donne un espoir puissant en l'humanité et le kimchi, ce condiment national terriblement épicé pour le palais occidental. Un pays des extrêmes qui rayonne discrètement. Le pays du matin calme...


Wikipédia : Parmi les États industrialisés membres de l’OCDE, la Corée du Sud est le pays où le taux de suicides (24,7 suicides pour 100 000 personnes en 2005) est le plus élevé : le suicide est la première cause de décès entre 20 et 40 ans37

Surcharge de travail [modifier]
Les hagwons sont des instituts privés où des professeurs payés à prix d'or préparent les élèves aux examens souvent jusqu'à minuit ou au-delà. Avec 50 heures d'études par semaine en moyenne, les écoliers du pays du Matin-Calme sont les plus assidus de l' OCDE (L'Organisation de Coopération et de Développement Économiques). C’est cette assiduité qui serait la clé des excellents résultats de la Corée ; elle se positionne en effet au deuxième rang, derrière la Chine et devant la Finlande. Les autorités cherchent en permanence à améliorer la compétitivité du système sous la pression de parents qui voient dans la réussite scolaire la clé de l'ascension sociale. C’est comme cela qu’après avoir démarré la journée de cours vers 8 heures, les étudiants poursuivent leur journée avec des études supplémentaires. Vers 21 h 30, des bus les attendent pour les emmener vers les hagwons. Ils entament alors une deuxième journée de cours. Lors de leur dernière année du secondaire, ils ne dorment que cinq heures par nuit et ont moins d'une heure de temps libre par jour. Ce véritable système éducatif parallèle oblige les enfants à des journées de quinze heures de cours, voire plus. Son objectif est de préparer l'examen d'entrée à l'université, le sooneung , l'épreuve la plus importante de la vie d'un jeune Sud-Coréen. En Corée, le diplôme universitaire est une garantie de prestige social et de bon emploi. Evidemment, cette surcharge de travail à un prix; selon un sondage réalisé en 2009, un tiers des lycéens dort pendant les cours obligatoires. Les enfants sont épuisés, stressés, aigris. Les parents veulent toujours plus de notes, de résultats. Leurs enfants deviennent des marchandises et leur santé psychologique est mise en danger. Autres effets négatif du système : un esprit critique peu développé et peu créatif, ainsi qu’un manque de réactivité en classe ; les élèves deviennent amorphes.

As days being wild (Ā Fēi Zhèng Zhuàn), Won Kar Waï, 1990 (HK)

As days being wild (Ā Fēi Zhèng Zhuàn), Wong Kar Waï, 1990.

Ou le 16 avril 1960 à 15 heures moins 1.

Résumé de l'histoire : Un jeune homme riche et oisif passe son temps à ne rien faire et à jouer le playboy en séduisant des jeunes femmes puis en les laissant du jour au lendemain. Son problème ? Il a été adopté par une femme riche qui refuse de lui dire qui est sa mère naturelle. Il hait donc les femmes en général.

La première victime est Maggie Cheung. Elle n'était pas intéressée au début mais il réussit à la conquérir assez facilement. Il lui fait promettre de ne jamais oublier la minute avant 15 heures le 16 avril qu'elle ne pourra pas nier avoir passé avec lui puisqu'ils étaient ensemble. Elle tombe vraiment amoureuse et lui demande s'il compte l'épouser. Il répond clairement que non. Elle s'en va. Quand elle revient chercher ses affaires chez lui, elle croise Mimi et s'en va définitivement en pleurant. Elle passera des nuits d'insomnie à s'en remettre et rencontrera sur son chemin un jeune et gentil policier qui fait sa ronde de nuit et accepte de lui tenir compagnie. Son problème ? Elle n'est pas heureuse à Hong-Kong et n'a aucune envie de rentrer à Macao, d'où elle vient. Le policier lui dit que si elle a envie d'appeler un jour, il sera là. Son problème ? Il rêve d'être marin et de découvrir le monde, mais sa mère étant gravement malade, il est obligé de rester à Hong-Kong.

La deuxième victime du connard est une jeune danseuse de cabaret, Mimi dans le film (l'actrice Carina Lau est la compagne de Tony Leung depuis 1999 et ils se sont mariés en 2008 seulement, si c'est pas de l'amour, ça !), qui se fera larguer aussi de façon brutale et méprisante alors même qu'elle venait de faire le ménage à sa demande et proposait de l'entretenir. Son problème ? Son seul problème est d'aimer à la folie un homme qui ne l'aime pas du tout. C'est le personnage dont l'histoire n'est pas étoffée, elle représente la femme tout aussi frivole qu'elle est émotive. Après s'être fait larguée, elle s'en prend à Maggie Cheung qui tente de lui faire comprendre calmement qu'il traite toutes les femmes de la même façon, qu'elles ne sont pas ennemies.

La mère adoptive s'en va aux Etats-Unis avec un énième gigolo et puisque son fils adoptif l'empêche de partir, se résigne enfin à lui dire que sa mère vit aux Philippines. Il s'y rend donc en offrant les clefs de sa voiture à son ami d'enfance amoureux de Mimi. La voiture est la métaphore de Mimi : il n'en a rien à faire. Il a d'autres priorités. Il retrouve sa mère naturelle mais elle refuse de le voir : il s'agit d'une aristocrate philippine. Il y rencontre le jeune policier devenu marin par hasard dans l'hôtel le plus populaire de la ville pour les Chinois. Le lendemain, suite à une bagarre avec des gens louches dans un restaurant, il est assassiné dans le train. Le marin lui demande alors s'il se souvient du 16 avril 1960. Le mourant devine qu'il la connaît et lui dit de dire à la jeune femme qu'il ne s'en souvenait pas. Mais le marin doute de la revoir un jour. Le héros meurt. A Hong-Kong, Maggie Cheung appelle le jeune policier qui ne répond pas puisqu'il est devenu marin et s'apprête à sortir très élégamment habillé.


Commentaire : Si l'image est pourrie parce que le film est vieux, les histoires de Wong Kar Waï qu'on aime tant ont toujours traité de façon sensible l'amour impossible ; le non-amour de soi et le rejet amoureux qui en découle. Mais pas seulement : le souvenir ; la mémoire ; le refus de l'oubli. Le rapport du Temps aux émotions.

Ce qu'on aime, c'est qu'on a une explication au rejet amoureux : l'individu incapable d'aimer ne peut pas parce qu'il a été rejeté lui-même dans le passé ou a trop aimé quelqu'un avant. Chaque personnage qui lui est lié a vécu aussi un rejet qui marquera sa vie. Personne ne peut aimer personne, à cause d'une autre personne.

Ce qui n'exclut pas l'hypothèse que le pire des connards ait pu être sincère dans son amour pendant...une minute exactement. Et s'en souvenir autant que vous. Ce qui ne change rien au fait qu'il n'était pas prêt à vous aimer pour le restant de votre vie. Triste consolation. J'aurais personnellement intitulé ce film : "Une minute de romantisme pour le chagrin de toute une vie".

My blueberry nights, de Wong Kar Waï, 2007 (HK)

Toujours croire en ce qu'il y a de plus beau chez l'Homme et rester confiant malgré les épreuves, leçons de...

My blueberry nights, de Won Kar Waï, 2007. 

L'histoire : Lizzie est une jeune femme qui apprend que son petit-ami la trompe. Elle lui laisse ses clefs au restaurant ключ (klyuch) (clef en russe) où il est allé avec sa nouvelle copine. Jeremy, le gérant, met toutes les clefs que des clients lui remettent dans un bocal en verre. Jeremy, britannique de Manchester, a lui-même déposé ses propres clefs dans le bocal en verre pour son ex-petite amie Katia, une Russe qui l'a quitté.

Lizzie attend en vain que son petit-ami vienne les chercher et fait par défaut la fermeture chaque soir en mangeant une part de tarte aux myrtilles avec une boule de crème glacée parce que c'est la seule tarte qui reste chaque soir et qu'elle s'identifie à cette tarte dont personne ne veut. Jeremy lui explique qu'il n'y a pas d'explication à chercher : cette tarte n'est pas moins bonne que les autres, mais c'est comme ça (je crois que j'ai pleuré à ce moment-là). Lizzie, malheureuse, voudrait une explication.

Elle s'arrête devant l'appartement de son ex-petit-ami d'où elle le voit embrasser sa nouvelle copine. Elle pleure (j'ai pleuré aussi).

Un jour, elle décide de partir le plus loin possible et elle fait serveuse le jour et la nuit, ce qui lui occupe l'esprit et évite ses nuits d'insomnie. Officiellement, c'est pour s'acheter une voiture. Elle y rencontre un homme brisé, Arnie et après sa mort, la femme qu'il a brisée par son amour despotique. A chaque nouvelle ville et de chaque nouveau restaurant où elle travaille, elle écrit de nombreuses cartes postales à Jeremy pour lui donner de ses nouvelles. Apparemment, elle n'a pas d'autre ami sur cette terre (j'aime cette idée à l'ère d'Internet et des 36 millions d'amis sur les réseaux sociaux).

Elle rencontre dans une nouvelle ville une jeune femme dépendante des jeux qui lui promet sa voiture si Lizzie lui prête ses 22.000 dollars d'économie. Elle lui donne bien sa voiture mais lui avoue après qu'elle avait gagné et lui avait menti uniquement pour qu'elle l'accompagne à l'hôpital de Las Vegas où son père est décédé. Parce qu'elle n'avait pas envie d'y aller toute seule. J'aime la solitude de tous ces personnages beaux et trentenaires (c'est Natalie Portman quand même). Elle lui paye donc la voiture qu'elle désire avec le gain qu'elle a obtenu au dernier jeu et reprend la sienne. Elle tente aussi d'apprendre à Lizzie qu'il ne faut faire confiance en personne. Lorsque leurs chemins se séparent, Lizzie comprend que certaines rencontres permettent de mieux se connaître par un reflet inverse dans le miroir : elle est tout l'opposé de cette autre jeune femme et est fière d'être elle-même.

Entretemps, Katia revient au restaurant de Jeremy : elle n'a pas l'intention de revenir avec lui mais voulait se souvenir du lieu sans penser l'y trouver encore. Elle lui dit que ce n'est pas parce que la porte est fermée qu'elle est fermée pour toujours et Jeremy lui répond que ce n'est pas parce que la porte est ouverte que la personne est là.

Lizzie de son côté est aussi prête pour tourner la page et donc, un an plus tard, retrouve Jeremy dans son restaurant. C'est une nouvelle histoire qui peut naître.

Commentaire : Même si ce n'est pas un chef-d'oeuvre, ça reste du Wong Kar-Waï : une histoire d'amour où des hommes et des femmes ont des chagrins d'amour douloureux ; fument (Jeremy beaucoup ; Katia, mais pas Lizzie) et mangent (la tarte aux myrtilles avec une boule glacée ; la facture de 800 dollars de bouffe et d'alcool d'Arnie ; les bars- grill restaurants sont les lieux principaux de tournage). C'est également une histoire d'apprentissage dont l'héroïne est Lizzie.

On pleure quand elle pleure, en espérant nous aussi rencontrer un jour un beau et gentil Jeremy (enfin je sais qui est Jude Law) sur notre route, sans y croire vraiment, parce que ça, c'est la fin hollywoodienne, qui n'existe pas dans les vrais Wong Kar-Waï.

Enfin, Norah Jones y joue très justement la jeune femme pure et innocente qui ressort mûrie et forte de cette histoire, et donne envie de mieux connaître sa musique.

La chute de la maison Usher, de Jean Epstein, (FR + USA)

Adaptation cinématographique de la nouvelle fantastique d’Edgar Allan Poe, The Fall of the House of Usher, 1839 (attention, ce film ne respecte pas l’histoire originale de Poe).
Film muet en noir et blanc, ancêtre du film d’horreur. Les films fantastiques de ce genre n’existent plus vraiment.

Vu le 12 octobre 2012.
Pourquoi ? Parce que « Epstein » sera le nom de famille de mon héroïne Célia, dans le Pigeon mort.

Résumé : Un homme (le narrateur) va rendre visite à son ami Lord Roderick Usher qui lui demande de venir car sa compagne Madeline est gravement malade. Lorsqu’il arrive en ville, les habitants réagissent au nom de « Usher » avec effroi. De caractère exclusif et tyrannique, Lord Roderick contraint sa femme à vivre recluse loin de la ville dans une atmosphère confinée et malsaine.

L’invité voit un tableau de Madeline et Lord Roderick lui explique qu’il est devenu presque de tradition parmi les membres de la famille de passage, de peindre son portrait.


Elle ne vient pas dîner. Roderick aimerait se débarrasser de son invité mais ne peut pas donc l'incite à faire une petite promenade après le dîner afin de pouvoir s’adonner tranquillement à sa passion : peindre Madeline. En effet, il est fasciné par le fait que son portrait paraisse vivant, à l’inverse de la réelle Madeline, très malade.

Plus il la peint, plus elle disparaît sous ses yeux, mais il ne s’en rend pas compte, tant il a envie d’atteindre la perfection dans son tableau. C’est LE moment fantastique du film.

Lorsque l’invité revient de sa promenade, il est fasciné également par le portrait qui semble s’animer quand tout à coup lui et Roderick se prennent les pieds dans quelque chose au sol : c’est le corps de Madeline !

Ils l’enterrent avec son invité, son domestique et son médecin en pleine cambrousse. Quand l’un d’eux s’apprête à clouer le cercueil, il devient fou de colère. Il refuse que l’on cloue le cercueil.

Lord Roderick devient fou de chagrin en niant sa mort jour après jour tandis que la vie devient affreusement monotone, mais le film ne s’arrête pas là. Un soir, tandis qu’une violente tempête fait rage, l’invité essaye tant bien que mal de changer les idées noires de Roderick avec une lecture (Mad Trist, de Sir Launcelot Canning). Mais celui-ci n’écoute que d’une oreille distraite car il est persuadé d’entendre Madeline.

Quand tout à coup, elle surgit effectivement dans sa robe blanche de morte. Roderick n’en revient pas lui-même Or la foudre s’est abattue sur la Maison Usher qui s’effondre, tandis que le narrateur, Roderick portant Madeline, s’enfuient. C’est la chute de la Maison Usher.

Conclusion : d’un autre temps, ce film n’a pas beaucoup d’attrait aujourd’hui. Il mérite d’être vu cependant pour des raisons esthétiques : c’est un film qui illustre parfaitement le genre littéraire fantastique. A voir avec « The Turn of the Screw » d’Henry James adapté au cinéma, plus attrayant car parlant.

Wikipédia : « Grâce à son écriture, le film réussit à créer un climat onirique impressionnant et impose une atmosphère inquiétante et morbide, c'est probablement la plus grande réussite de l'histoire du cinéma français dans le domaine du fantastique. »

Différence majeure entre l’œuvre littéraire et l’adaptation cinématographique : Dans la nouvelle de Poe, Madeline est la sœur jumelle de Roderick et la relation incestueuse est suggérée. Dans le film, c’est sa femme. C’est dommage de n’avoir pas respecté leur véritable relation malsaine.

La nouvelle traduite en français par Charles Baudelaire en ligne : http://fr.wikisource.org/wiki/La_Chute_de_la_maison_Usher

Torrent : http://thepiratebay.se/torrent/4115319

North by Northwest (La mort aux trousses), Hitchcock, 1959 (US)

North by Northwest (La mort aux trousses), Hitchcock, 1959 (US)

Avec Cary Grant et Eve Marie Saint.

Bof **

Revu pour la deuxième fois en janvier 2012 (j’avais oublié que je l’avais déjà vu…).

Résumé de l’intrigue : un publiciste new-yorkais, Roger Thornhill, se fait kidnapper en plein centre-ville, pris pour un autre, Georges Kaplan, un espion. Plus il veut prouver le malentendu, plus il aggrave sa situation en faisant l’inverse (registre comique).

Le problème est que cet espion a été inventé de toute pièce par le gouvernement américain qui ne se soucie guère de la survie du héros innocent sans cesse menacée (registre tragique)…

Accusé de meurtre, il s’enfuit et rencontre « par hasard » dans un wagon une belle jeune femme qui l’aide à échapper aux policiers (registre sentimental)…

Commentaires : Ce film vieillit mal dans la mesure où il ne procure aucun suspense ou si peu. Quelques scènes permettent cependant de sauver la soirée : celle du début où il est ivre mort au volant ; avec l’avion en pleine campagne et enfin celle dans la maison du « méchant » où il agit en réel espion. Mais non, je ne vous le recommande pas.

N.B. Remarquons la troublante ressemblance entre Eva Marie Saint et Scarlett Johansson.

Casablanca, de Michael Kurtiz avec Humphrey Bogart et Ingrid Bergman, 1942 (USA).

**** : Très bien.

L’intrigue : L’histoire se passe à Casablanca au moment où tous les Européens fuient l’occupation nazie en Europe pour Lisbonne, dans le but d’aller aux Etats-Unis. Mais nombre d’entre eux se retrouvent sans visa et sont bloqués à…Casablanca, en territoire français.

Rick (Gary Cooper), un américain amer, tient un bar où son vieux compagnon de route, Sam, noir américain, joue du piano et chante, au plus grand plaisir des clients. Dans ce bar, des négociations de visa se passent tous les jours entre la police incarnée par un chef corrompu, Renault, et des civils.

Un jour, un homme louche se fait tuer et avait en sa possession deux précieuses lettres de transit que prend Rick.

Un soir, la femme qui est à l’origine de l’amertume de Rick (Ingrid Bergman) débarque par hasard avec son mari, un éminent chef de la résistance tchèque, Victor Lazlo. Rick en veut toujours à cette femme qui est à l’origine de toute sa tristesse, or ils ont besoin de ces deux lettres de transit absolument…

Histoire d’amour et idéaux politique sont alors en jeu.

Conclusion : C’est un film en noir et blanc qui lie action et histoire d’amour, un excellent divertissement. La scène de La Marseillaise est très émouvante. Gary Cooper ne correspond pas aux canons de beauté actuels mais a un charisme viril de l’époque dont sont dénués la plupart des acteurs d’aujourd’hui. Ingrid Bergman, de même, version féminine. Il fait partie des trois meilleurs films américains avec Le Parrain et Citizen Kane selon l’American Institute Film. 

"Notorious" d’Alfred Hitchcock, 1946, USA.

Notorious, (“Les Enchaînés”) d’Alfred Hitchcock, 1946 avec Ingrid Bergman and Cary Grant.

*Bof !

N.B. « Notoire » est le véritable titre du film et fait référence à l’organisation criminelle nazie « tristement célèbre ». Mais il s’agit également d’un jeu de mots avec « de mauvaise réputation » en référence à celle de l’héroïne, connue pour être une femme libre, croqueuse d’hommes et forçant un peu trop sur l’alcool.

Résumé de l’intrigue : Les services secrets américains sollicitent la fille d’un espion allemand nazi pour collaborer avec eux en s’infiltrant chez les amis de son père à Rio de Janeiro ; autrement dit en prenant sa suite. Alicia, éprise de Mister Devin, l’agent secret américain avant qu’il ne révèle son identité, est très déçue par l’attitude radicalement différente de celui-ci depuis qu’elle a accepté la mission. On voit donc une femme malheureuse les trois-quarts du film et la plus heureuse du monde à la fin.

Commentaires :

- Il s’agit en fait d’un film à l’eau de rose sous toile de fond de film d’espionnage. Sincèrement, je crois que si l’on continue de regarder ce film encore aujourd’hui, c’est purement à cause d’Ingrid Bergman et de Cary Grant, qui ont laissé leurs noms dans la postérité.

Ce film est dépassé et n’est pas celui d’Hitchcock que je recommanderais de voir en sa mémoire.

+Il est malgré tout impressionnant de s’attarder sur la date de la réalisation du film, à peine au lendemain de la deuxième guerre mondiale. Il est aussi intéressant de se souvenir que les Allemands nazis se sont réfugiés au Brésil, créant une petite Allemagne (nazie).

Les acteurs ont un charme suranné, toujours beau à voir.

Poetry de Lee Chang Dong (KOR), 2010. Sublime.

Poetry, Lee Chang Dong, 2010.

*****Chef-d’œuvre.

Vu le lundi 24 janvier avec Emmanuelle L.B. au cinéma Saint-André des Arts à Saint-Michel, 21h15.

Durée : 2h19

Histoire.

C’est l’histoire d’une grand-mère, Mija, qui commence à être touchée par la maladie d’Alzheimer et éduque seule son petit-fils parce que sa fille, seule aussi, est partie chercher du travail dans une autre ville. Elle est femme de ménage et auxiliaire de santé chez un homme handicapé de son âge : c’est son unique source de revenus.

 Au moment où elle décide de s’inscrire à un cours de poésie, elle apprend que son petit-fils de quatorze ans a participé à un viol collectif sur une jeune collégienne qui vient de se suicider.

Les parents des autres garçons ne pensent qu’à l’avenir de leurs enfants et se mettent d’accord pour payer trente millions à la mère de la jeune fille, une paysanne qui avait déjà perdu son mari. La grand-mère ne possède pas cet argent, mais là n’est pas le problème que pose le film…

Critique.

Ce film nous fait voir la cohabitation et la confrontation de l’aspect le plus sublime de l’homme avec son aspect le plus vulgaire, le plus bas, le plus vil. Entre Poetry et Star Wars, il y a peu de différences dans le fond. C’est sur la forme que porte la différence. Subtile. Tout cela en un seul film. C’est fort, c’est violent, c’est beau.

Le rythme est lent et impatientera tous ceux qui n’ont pas l’habitude d’attendre de cueillir des émotions au sommet de montagnes.  Aucune longueur n’est toutefois gratuite : chaque silence est chargé de non-dits auxquels on est plus ou moins réceptifs.  La scène de badminton entre le policier et la grand-mère illustre parfaitement cela : il ne s’agit pas de montrer une partie de badminton entre deux personnes ; il s’agit de laisser le temps au spectateur d’imaginer ce que peut ressentir la grand-mère à ce moment-là précis du film. Sans le contexte émotionnel, cette scène isolée n’a effectivement aucun intérêt et encore moins à durer.

Que le futur spectateur ne s’inquiète pas : la fin du film est une apogée qui le récompensera de toute façon en le submergeant et l’inondant de beauté et de bonheur et tristesse à la fois.

Les amoureux de Won Kar-Waï et de Kitano comprendront et aimeront ce film.

Mention spéciale à Yun Junghee est une actrice coréenne extraordinaire reconnue dans son pays qui n’avait pas tourné depuis quinze ans. Le fait qu’elle n’ait pas gagné le prix d’interprétation féminine au profit de Juliette Binoche est tout simplement un scandale, on aurait pu avoir au moins un ex-aequo. Elle vit à Paris, mariée à un musicien coréen et elle est francophone. J’aimerais la voir avant sa mort.

Extrait d’interviews :

Lee Chan Dong : « Même si la volonté de faire ce film remonte à une question que je pose depuis l'adolescence (pendant laquelle j'ai commencé à écrire) : Quelle est la force d'un vers, d'une ligne ? Quelle est son utilité ? C'est une question que tous les artistes et tous les créateurs peuvent se poser. Une question que l'on se pose depuis la nuit des temps et à laquelle il n'y a aucune réponse universelle. C'est une question que l'on se pose souvent en Corée : Est-ce que la poésie peut nourrir (n'est-elle pas un geste gratuit) ? Le point de départ a été l'envie de parler de personnes dont la vie n'est pas régie par les valeurs monétaires. »

Lee Chang Dong : « Je ne fais pas vraiment de différence entre les femmes et les hommes mais pour Secret Sunshine le film parlait de la souffrance de la vie, et j'avais l'impression que les femmes étaient beaucoup plus sensibles que les hommes aux sentiments et à ce qui se passe dans leur entourage. Ce film parle de poésie et de la quête de la beauté. Le personnage principal est à la recherche de la beauté pour pouvoir écrire son poème. C'est comme la vie, il n'y a pas que de la beauté, il y a également la laideur, la souffrance et la tristesse. En allant au-delà de ces éléments là, en les trenscendant, on arrive à percevoir la vraie beauté autour de nous. Pour cette raison, il n'y a qu'une femme qui pouvait tenir le rôle principal. »

Extrait d’un article du Monde (la référence à George Orwell est vraiment pertinente) :

"Durant ses séances de poésie, Mija reproche à un des membres du club, un policier à la retraite, alcoolique et grivois, d'insulter par ses saillies l'idée de poésie elle-même. Comment ne pas y voir l'expression symbolique d'une quête plus large, quasiment politique ? Mija, formidablement interprétée par Yun Jung-hee, est l'incarnation d'une exigence des plus hautes, proche de cette morale des opprimés que George Orwell avait baptisée "common decency", et qui semble désormais inutile face à l'indifférence, à l'insensibilité de l'époque actuelle. Ce n'est qu'à la fin d'un film qui prend le temps d'évaluer toutes les données d'une pure équation morale que Mija trouvera peut-être la solution."

For a few dollars more, Sergio Leone, 1965 (IT/ESP)

(second volet de la Trilogie du dollar)

« Enfin une p’tite histoire personnelle pour le méchant Van Cleef »

***Bon.

Histoire : L’histoire se passe à El Paso, une ville dont la banque est réputée pour être bien gardée.  Trois personnes sont sur le coup : le méchant homme en noir, le coloner Mortimer (Van Cleef) ; le gentil et bel homme sans nom surnommé dans le film : « Manco » (une main en espagnol ; Clint Eastwood) et enfin l’Indio un bandit recherché et sa bande de loubards.

Le Colonel Mortimer et Manco établissent un partenariat : il est convenu que Clint soit à l’intérieur de la bande et que Van Cleef reste à l’extérieur.  Manco parvient à s’introduire dans la bande en délivrant un des membres de prison par une dynamite. L’Indio vole la banque avec sa bande mais ne parvient pas à ouvrir le coffre, le Colonel Mortimer propose donc ses services pour 5000 dollars en l’ouvrant par des produits chimiques. Ce dernier et Manco s’apprêtent à voler l’argent durant la nuit mais se font surprendre puis torturés. Je ne sais plus par quel prodige, ils parviennent à buter tout le gang et se retrouvent à trois avec chacun une montre en or dans laquelle se trouve la photo d’une jeune femme qu’a violé l’Indio ; le Colonel Mortimer en semble très affecté. Manco comprend qu’il a des comptes personnels à régler et passe de meilleures armes au Colonel Mortimer pour qu’il but l’Indio, ce qu’il fait. A la fin, il lui dit qu’il semble qu’il y ait des liens familiaux entre Mortimer et la jeune femme, ce à quoi il répond qu’ils étaient frères et sœurs (moi j’ai pensé que c’était plutôt sa fille). Et voilà, Manco repart avec toute la charrette de bandits ce qui représente beaucoup d’argent et Mortimer décide de tout lui laisser (sa revanche était la chose la plus importante). Manco part donc avec en plus l’argent de la banque…

Critique : un bon divertissement, comme d’habitude, mais la scène du viol est franchement horrible.

For a fistful of dollars, Sergio Leone, 1964 (IT/ESP).

"Une fin ingrate".

(premier volet de la trilogie)

***Bon.

Histoire : c’est fou, mais j’ai adoré ce film sauf la fin qui m’a tellement énervée que je ne peux pas mettre que je l’ai trouvé très bien.

C’est l’histoire d’un yankee qui passe par un village pour trouver du travail. Il tombe dans un village où les cadavres s’accumulent entre deux familles ennemies : l’une mexicaine, l’autre américaine.

Il explique sa stratégie d’opportuniste au gérant du bar chez qui il loge : se mettre entre les deux et en tirer le meilleur parti financièrement.

Il y parvient très bien jusqu’à ce qu’il se décide de se mêler d’une histoire qui tire sur sa corde sensible : le méchant de l’histoire, fou et sanguinaire, séquestre la femme qu’il aime, déjà mariée avec un enfant qu’il l’empêche de voir. Le gentil et beau Clint Eastwood va donc aller à la rescousse de cette famille décomposée par le méchant.

La scène de torture du héros puni en représailles par la bande de méchants est horrible à voir et dure assez longtemps.  Mais tout finit bien et il devient très riche.

Critique : Tout était une histoire parfaite sauf que le gérant du bar qui s’est fait torturer sans jamais parler pour révéler où se cachait le héros n’est pas du tout remercié ! Alors que le héros est devenu super riche ! Alors d’accord, c’est implicite, m’enfin, dans un divertissement tel qu’un western spaghetti, on ne doit pas faire dans l’implicite, merde : on aurait dû avoir une scène très claire où le héros remercie financièrement le gérant qui l’a nourri et logé gratuitement tout le long du film. Justement, c’est comme ça que j’avais interprété le titre du film, moi : « Pour une poignée de dollars », c’est-à-dire ce qu’il a promis de payer au gérant plus tard pour sa bouffe et son logement, en attendant de trouver du travail avec les deux familles ennemies. Mais je m’étais fourvoyée…

Cette fin m’a écœurée, j’ai plusieurs fois songé à revoir la fin afin d’être sûre de ne pas avoir raté cette scène où le héros donne ce qu’il doit et beaucoup plus à quelqu’un qui sans être son ami, a accepté d’être torturé pour lui. Mais non, la scène de fin où ils se parlent à peine comme si de rien n’était sans même un regard, même si la virilité le commande, etc. m’a tellement énervée que je n’ai pas pu vérifier. Si vous avez vu une quelconque scène qui ressemblerait à un remerciement, merci de m’en fait part, je reviendrai sur mes propos…

Quand Wikipédia frappe à la porte de notre ignorance :

« Ce film serait un plagiat du film Yojimbo d’Akira Kurosawa^[1]. Les producteurs, qui n’avaient pas prévu que le film remporte un succès international, ont négligé de négocier les droits de Yojimbo pour le monde entier. Un procès a retardé la sortie du film aux États-Unis (1966), à l’issue duquel Kurosawa s’est vu accorder les droits du film pour l’exploitation au Japon.
Le réalisateur avoua s’en être largement « inspiré sans aucun complexe » une dizaine d’années plus tard. Il déclare à un journaliste : « J’ai vu un film de Kurosawa : Yojimbo. On ne peut pas dire que c’était un chef-d’œuvre. Il s’agissait d’un démarquage de La Moisson rouge de Dashiell Hammett. Pourtant, le thème me plaisait : un homme arrive dans une ville où deux bandes rivales se font la guerre. Il se place entre les deux camps pour démolir chaque gang. J’ai songé qu’il fallait replacer cette histoire dans son pays d’origine : l’Amérique. Le film de Kurosawa se passait au Japon. En faire un western permettait de retrouver le sens de l’épopée. Et comme ce récit s’inspirait également d’Arlequin, serviteur de deux maîtres de Goldoni, je n’avais aucun complexe d’être italien pour opérer cette transplantation. Sans compter que l’inventeur du western n’est autre qu’Homère. Sans oublier que le western est un genre universel parce qu’il traite de l’individualisme. »^[2

THE GOOD THE BAD AND THE UGLY, Sergio Leone, 1966 (IT-ESP)

À l’époque où les hommes n’étaient pas encore des métrosexuels…

****Très bon.

Histoire : Trois hommes sont à la recherche d’un butin de guerre de la Guerre de Sécession aux Etats-Unis. L’un est le "méchant» et connaît le nom du cimetière ; l’autre est le « gentil » et connaît le nom de la tombe, ils sont donc obligés de faire route ensemble afin de trouver le butin. Le troisième est un « truand » et les oblige à le conduire au butin.

Ce qui est génial dans ce film c’est avant tout l’ambiance : tous les clichés sont réunis pour nous faire passer un bon moment. C'est un excellent divertissement.

Nous avons trois personnages cupides avec chacun un style et des traits de caractère différents.

Blondie « le gentil » (Clint Eastwood à son apogée) est l’homme le plus beau et le plus sexy de la terre dans ce film : il est cupide, mais il a le cœur sur la main dans les moments difficiles et ne tue pas des gens dans son travail. Il a toutes les mimiques et les attitudes les plus viriles et les plus attendrissantes de la terre à la fois. Il fume des cigarillos. Il est là pour plaire au public féminin, c’est clair mais aussi masculin, comme un idéal à atteindre. C’est le cupide humaniste.  

Tuco « le méchant» est le personnage burlesque du film : il est très cupide, malhonnête, cruel, ridicule et bête, mais il est indéniablement tenace et déterminé. Une scène brève mélodramatique nous révèle la complexité du personnage : moche, méchant et con, ok ; mais il a eu le courage de rester avec des parents qui ne semblent pas avoir été les meilleurs parents du monde et comme tout le monde a besoin de faire semblant d’être aimé. C’est le cupide comique.

Seul Angel Eyes  « le truand » n’a rien pour lui, c’est donc le vraiment très très méchant. Il tue sans scrupules son prochain. Il est bien fait mais n’est pas charmant. Il tue des pères de famille, méprise les femmes et les frappe sans vergogne et il est capable aussi de devenir responsable dans l’Armée uniquement par opportunisme sans aucun idéaux politiques. C’est le cupide dénué d’humanité.

La musique est mémorable.

Conclusion : un classique de western spaghetti à voir pour se détendre et à revoir pour mater le plus bel homme du cinéma à cette époque : Clint Eastwood. Un véritable sex symbol.

Citation : "If you work for a living, why do you kill yourself working ?"

Idée de visionnage : C'est Emmanuelle qui nous entraîne toutes dans sa phase "westerns spaghetti", son enthousiasme est contagieux...

Pour en savoir plus sur le contexte historique du film :

http://fr.wikipedia.org/wiki/Guerre_de_S%C3%A9cession

Running in Madness, Dying in Love, Koji Wakamatsu, 1969 (JPN).

 Un navet esthétique qui aurait pu être un chef-d'œuvre. (sauf si la traduction a nui au film)

*Pénible. (n'est pas un film culte de Wakamatsu)

Histoire/Critique : Ce film est un clin d'œil à Macbeth (1623, Shakespeare) et a sans doute inspiré considérablement Nagisa Oshima pour L’empire des sens (1978), qui lui est un film à voir.

En effet, il s’agit d’un couple (belle-sœur et  beau-frère amoureux) qui se culpabilise du meurtre du mari/frère tout le long du film : les deux frères se disputaient (conflit idéologique, arrière-plan politique mais trop mineur dans ce film pour être pris au sérieux, rien à voir avec The United Red Army), l’aîné (celui qui est marié) commençait à frapper son petit frère et sa femme qui le suppliait d’arrêter en s’interposant entre les deux, a fini par le tuer en prenant le révolver dans sa poche (il est policier).

Elle se sent très coupable et le beau-frère décide d’endosser le crime seul quoi qu’il arrive. Ils se mettent alors à prendre la fuite ensemble, à vivre dans la fuite ce que ne parvient pas à supporter la meurtrière qui pleure sans arrêt pendant que le beau-frère tente de la rassurer. Elle ne se calme que lorsqu’il lui fait l’amour et ils font donc beaucoup l’amour…

Pourquoi ce film est-il pénible à regarder ?

1)    - Le rôle lamentable de la femme qui ne cesse de geindre les trois-quarts du film, c’est insupportable, malheureusement, c’est culturel, il me semble que chez Oshima aussi, elle geint à n’en plus finir de façon hyper agaçante pour l’oreille occidentale. La femme est représentée comme nunuche, incapable d’assumer ses désirs et ses vices.

2)    - La chanteuse de fond qui en rajoute une couche avec des mélismes lancinants tout aussi insupportables (style sorcière en transe, ambiance Macbeth quoi).

3)    - Le schéma répétitif épuisant : femme qui pleure voulant se suicider sans vouloir mourir / homme qui la rassure et tente de lui redonner raison et sang-froid / scènes de sexe.  D'où le titre super beau pourtant du film (et donc déceptif par rapport au contenu)  : ils passent en effet leur temps à courir de droite à gauche et à faire l’amour.

4)    - L’absence de profondeur des personnages (ou alors la traduction est très mauvaise ce qui est possible : les sous-titres en anglais ne correspondaient pas toujours, voire pas du tout aux sous-titres italiens…), leurs rôles nazes.

Pourquoi ce film est-il esthétique ?

1)     Parce que les transitions du noir et blanc à la couleur sont toujours magnifiques chez Wakamatsu, c’est sa patte stylistique, il adore ça et il le fait super bien. Je trouve même qu’il le fait mieux que Wong Kar Wai, c’est pour dire, le rendu est juste toujours très beau.

2)     Certaines scènes érotiques sont davantage esthétiques qu’érotiques : on ne voit pas grand-chose à part deux corps dénudés qui se meuvent l’un sur l’autre, mais malgré tout, ça aussi, c’est beau, ça donne envie de faire l’amour, les corps sont beaux et mis en avant.

3)     Parce que ces deux éléments rendent malgré tout « beau » un film totalement ennuyeux. Ce film, c’est avant tout un style original qui s’exerce sur une histoire où les rôles sont chiants à mourir (sauf si la traduction était erronée, je le répète et c’est important de le souligner, parce que ça se trouve, c’est un chouette film très mal traduit par des amateurs, mais ça n’enlèvera pas le fait que la femme japonaise au cinéma a souvent un rôle ingrat de nunuche finie).

C Conclusion : Le seul intérêt de ce film c’est de comprendre que l’Empire des sens, qui lui est un chef-d’œuvre même si la femme est nunuche aussi, ne l’aurait sans doute pas été sans ce film-là. J’en suis sûre. La fin est malgré tout la partie la plus intéressante (sans ironie).

La fin en effet est pathétique et affligeante mais délivre pourtant un message atroce : parfois, on se met à théâtraliser sa vie de façon mélodramatique et en fait, la réalité est nullissime de platitude et c’est cette platitude que l’on subit, au quotidien, qui est bien plus violente que la mélodramatisation personnelle que l’on s’était infligée pour finalement, animer son existence.

Et cette fuite tout au long du film, n'est PAS celle d'un crime commis, mais de la vacuité de l'existence même, du quotidien, de l'Ennui, au sens baudelairien du terme, au sens bovaryste du terme, etc., bref Don Quichottesque. La fiction en général est une fuite et son but est l'Aventure, l'Amour. D'où le titre, qui reste beau, lui aussi et a du sens.